Известные картины микеланджело, Главные шедевры Эрмитажа 💥: 19 самых известных экспонатов с описанием и фото — androidhub.ru
Искусствоведы полагают, что Конельяно мог оставить их во время растушёвки финальных мазков. Проходили десятилетия, и и камень, обработка которого была заброшена, едва начавшись, приобретал под воздействием осадков все более неприглядный вид, буквально на глазах уменьшаясь в размерах. Изначально полотно называлось «Мадонна с младенцем», а своё современное название получило по имени последней владелицы, супруги архитектора Л. Высший разум, полный любви ко всему сущему, обладает такой неимоверной силой, что Хаос не в силах помешать ему отделить свет от темноты.
Статуя — которая изображает римского бога вина в пьяной позе — была первоначально заказана кардиналом Раффаэле Риарио, но в конечном итоге была отвергнута им; к началу го века, однако, «Бахус» поселился в саду римского дворца банкира Якопо Галли. С года Бахус проживает во Флорентийском Национальном музее дель Барджелло и выставлен рядом с другими работами мастера, в том числе его «Брутом» и его незаконченной скульптурой «Давид-Аполлон».
Дважды скульптура покидала Брюгге, сначала во время Французских революционных войн, после чего она была возвращена в году, но была снова вывезена нацистскими солдатами во время Второй мировой войны — этот эпизод показан в фильме года «Люди-Памятники» Джорджа Клуни.
Техасскому художественному музею Кимбелла повезло владеть «Мучением Святого Антония» — первой известной картиной Микеланджело, которая, предположительно, была создана, когда художнику было всего 12 или 13 лет, и основана на гравюре немецкого художника и печатника го века Мартина Шонгауэра. Картина «Мучения Святого Антония» была названа художниками го века Джорджио Вазари и Асканио Кондиви — самыми ранними биографами Микеланджело — как особенно совершенное произведение и получившее широкое признание со стороны современников.
Оно было написано для богатого флорентийского банкира Аньоло Дони, скорее всего, к его свадьбе с Маддаленой, дочерью знаменитого тосканского дворянского рода Строцци.
До сих пор оформленная оригинальной рамой, разработанной самим Микеланджело, работа находится в Галерее Уффици с года и является единственной картиной мастера во Флоренции. Говорят, что переливающиеся оттенки «Мадонны Дони» и неестественное позы фигур заложили основу для более позднего маньеристского художественного движения.
Наряду с «Давидом», скульптура Микеланджело конца XV века «Оплакивание Христа» считается одной из величайших работ мастера и, безусловно, одной из его самых известных. Она создана для надгробия французского кардинала Жана де Бильера, эта скульптурная фигура изображает Деву Марию, держащую тело Христа после его распятия — достаточно распространенная тема для памятников в эпоху Возрождения в Италии.
Переехавшая в Базилику Св. Петра в 18 веке, эта пьета является единственным произведением искусства, подписанным Микеланджело. Еще один шедевр Микеланджело, расположенный в Сикстинской капелле, «Страшный суд» написан на алтарной стене церкви и был выполнен примерно через 25 лет после того, как была написана фреска на потолке капеллы.
Считающаяся одним из самых сложных произведений Микеланджело, великолепная работа изображает второе пришествие Христа и апокалипсис. Появление обнаженных тел в главной святыне католической церкви было сочтено непристойным и Микеланджело едва избежал обвинения в ереси. Двадцать четыре года спустя нагота персонажей была «Страшного суда» прикрыта драпировками.
В отличие от многих других изображений святого Петра, эпохи Возрождения, работа Микеланджело фокусируется на гораздо более темном предмете — его смерти. Реставрация, длившаяся пять лет и стоившая 3,2 миллиона евро, начатая в году, выявила очень интересный факт: теперь исследователи считают, что фигура в синем тюрбане в верхнем левом углу картины на самом деле является самим художником, что в случае правильности этого вывода сделало бы «Распятие Святого Петра» единственным известным автопортретом Микеланджело.
Одухотворённое лицо матери выражает покой и нежность. В руках у младенца птенчик щегла — символ духовности и предвестник будущих страданий Христа. А на фоне, в симметричных окнах, открывается горный пейзаж как знак гармонии и совершенства мироздания. Картина считается одним из лучших произведений художника, которое раскрыло его талант в полную силу.
На полотне изображена сцена из библейского предания: архангел Гавриил сообщает Деве Марии, что ей предначертано стать матерью сына Божьего.
Любопытно, что евангельский сюжет вписывается в современную автору обстановку.
Например, замок на заднем плане имеет реальный прототип — крепость Кастельвеккьо ди Конельяно. А в интерьере присутствуют типичные для того времени предметы мебели. При этом детали картины, выписанные с поразительной тщательностью, наделены символическим смыслом.
Например, муха, сидящая на пюпитре, олицетворяет грехи, над которыми Христу предстоит одержать победу. С по год картина находилась на реставрации и не выставлялась.
После завершения работ вновь заняла место среди самых ценных картин Эрмитажа. Во время реставрации с полотна сняли многочисленные слои лака, под которым обнаружились фрагменты подписи художника и отпечатки его пальцев. Искусствоведы полагают, что Конельяно мог оставить их во время растушёвки финальных мазков.
Статья по теме Маршруты по Эрмитажу. По предположениям некоторых учёных, миниатюрное полотно меньше 18 сантиметров диаметром художник написал не для церкви, а в качестве декоративного элемента для шкафа. Поводом к появлению такой версии послужил не только размер, но и роскошная резная рама, в которую вставлена работа. Изначально рама составляла с картиной, написанной на деревянной основе, единое целое.
Однако затем изображение перенесли на холст. Несмотря на маленький размер картины, пейзаж прописан детально: видно, что у деревьев нет листьев — только веточки; пара поднимается в горы, а другая — катается на лодке; просматривается маленький домик вдалеке. Чаще всего на картинах художников итальянского Возрождения пейзаж более размытый, не такой детальный.
Эту работу Рафаэль написал ещё дома, в Умбрии. С Леонардо да Винчи и техникой сфумато растушёвывания объектов он познакомился чуть позже, когда переехал во Флоренцию.
На картине Санти изобразил свою первую Мадонну. Позже этот образ займёт главное место в его творчестве, а в искусствоведении даже появится термин — «Мадонны Рафаэля». Эту картину называют самой эротичной работой художника.
Сюжет основан на мифе о красавице Данае, в темницу к которой пробрался Зевс, обратившись в золотой дождь. Плодом их любви стал древнегреческий герой Персей. Тициан создал как минимум пять вариантов картины. Правда, купидон символ любви был только на первой — на остальных художник заменил его кормилицей, которая оберегает девушку от Зевса. Один из вариантов с кормилицей и приобрела Екатерина II в году для Эрмитажа. Есть версия, что чувственную Данаю Тициан писал с куртизанки по прозвищу Ангел — любовницы заказчика первого варианта полотна, кардинала Алессандро Фарнезе.
Единственная в нашей стране картина этого итальянского художника. Полотно, написанное в Риме , попало в Россию в году благодаря Александру I, приказавшему выкупить его для коллекции Эрмитажа. Интересно, что юноша на картине так похож на девушку, что работа Караваджо долгое время выставлялась под названием «Лютнистка».
Кстати, «по мотивам» полотна создали духи! В году в Эрмитаже провели интересный эксперимент: перед картиной выставили девять ёмкостей с запахами цветов и фруктов, которые изображены на ней.
А в десятой смешали все эти ароматы — получились «духи от Караваджо». Полотно, написанное летним художником в необычном жанре богедон в переводе с французского — «трактир» , который характеризуется сочетанием бытовых сцен и натюрмортов. Три персонажа на картине символизируют периоды в жизни мужчины.
По одной из версий, в юноше справа художник изобразил самого себя. Существует не меньше семи вариантов картины, но кисти Веласкеса приписывают два: одна работа выставлена в музее Будапешта , а вторая — как раз в Эрмитаже. В коллекции музея «Завтрак» находится с года, но до конца XIX века автор был неизвестен, поэтому полотно хранилось в запасниках.
Только в м удалось установить, что картину написал Веласкес. Последняя работа художника, которую он написал незадолго до смерти. По мнению искусствоведов, картина стала своеобразным итогом жизни голландца, ведь в юности, в году, он создал полотно «Блудный сын в таверне», на которой изобразил самого себя в образе молодого кутилы в дорогих одеждах, обнимающего красивую женщину.
На картине года от былой беззаботности не осталось и следа: бледный и исхудавший, мужчина стоит перед отцом на коленях, вымаливая прощение за грехи молодости. На картине изображен финальный эпизод притчи, однако согласно библейскому сюжету отец и сын встречаются на улице без свидетелей, а на полотне Рембрандта сюжет изменён. Встреча происходит в помещении при свидетелях. Скорее всего, художник намеренно изменил сюжет, чтобы показать нам второго сына, который оставался с отцом, во всём ему помогал и не доволен возвращением брата и реакцией отца на это.
Сюжет «Возвращения» неожиданно нашёл отражение в фильме Андрея Тарковского «Солярис» — в финальном кадре, где психолог Крис Кельвин припадает к ногам отца. В этой сцене герои практически повторяют расположение персонажей на картине. Одна из жемчужин английской живописи в коллекции Эрмитажа. Остальные его работы хранятся в зарубежных музеях. Искусствоведы до сих пор спорят о том, кто изображён на портрете.
По самой популярной версии — герцогиня де Бофор, дочь британского адмирала Боскауэна, а по самой смелой и невероятной — известная авантюристка, выдававшая себя за княжну Тараканову и дочь императрицы Елизаветы Петровны.
Работа поражает тонкими, воздушными мазками. Они придают полотну потрясающую реалистичность: кажется, что девушка вот-вот оживёт, заговорит и сойдёт с холста.
Статья по теме Самое интересное про Эрмитаж. Динамичный городской пейзаж, который входит в серию из 13 полотен. В России находится только одно из них, остальные — в зарубежных музеях и частных коллекциях: например, работа «Бульвар Монмартр зимним утром» выставлена в Метрополитен-музее в США. Для создания серии Писсарро снял номер в отеле, где жил на протяжении года.
Неустанно наблюдая за жизнью города, он писал Монмартр зимой и летом, в дождь и зной. Благодаря этому все картины получились невероятно живыми и детализированными. Большое полотно на сантиметров , на котором изображены две женщины: монахиня из тюремной больницы и её сестра — девушка лёгкого поведения, которая передаёт ей своего ребёнка.
Существует несколько толкований сюжета. По наиболее популярной версии, Пикассо делает отсылку к евангельскому рассказу о встрече Марии и Елизаветы матери Иоанна Крестителя. Сходство просматривается в позах и расположении фигур — именно так этот сюжет обычно изображали предшественники художника. В это время художник только приехал в Париж , а героями его работ становились нищие, бездомные и куртизанки.
Наброски для «Свидания» он делал в Сен-Лазар — парижской больнице для проституток. Этот диптих Анри Матисс написал для частного собрания коллекционера С. Щукина и наделал столько шуму, что заказчик поначалу даже отказался забирать работы! Дело в том, что перед продажей художник выставил «Танец» и «Музыку» в Париже , и полотна вызвали шквал негодования.
Матисса обвиняли в подчёркнутой небрежности уж слишком простыми показались публике линии и выбор цветов и оскорбительном натурализме. А Щукина окрестили собирателем мусора! Оправившись от скандала, коллекционер всё-таки забрал картины. И, как и планировал, повесил в своём доме: «Танец» на первом этаже, а «Музыку» — на втором.
Однако в году Щукин покинул страну, фактически расплатившись за свободу своим имуществом: большевики конфисковали его коллекцию живописи. Вскоре картины были переданы музеям. Так скандальный диптих Матисса пополнил коллекцию картин Эрмитажа. На первый взгляд этот шедевр одного из наиболее известных художников-абстракционистов кажется хаотичным нагромождением цветных пятен и линий. Но всё не так просто. Основой для картины послужил библейский сюжет о конце света. Сначала Кандинский хотел дать работе название «Потоп», но позже отказался от этой идеи, чтобы не ограничивать фантазию зрителя конкретными ассоциациями, и присвоил картине порядковый номер.
На полотне изображён мир, гибнущий в штормовом море.
